Der „Compadre“ der neuen Musikergeneration

Das 1995 erschienene Debütalbum von Chico César, Aos Vivos, entstand aus einer finanziellen Notlage, die sich als künstlerischer Triumph entpuppte. Da das Budget für eine aufwendige Studioproduktion fehlte, nahm der Künstler das Repertoire in nur zwei Tagen im Format „Gesang und Gitarre“ auf. Das Ergebnis war ein rohes und kraftvolles Werk, das der Welt Hymnen wie „Mama África“ und „À Primeira Vista“ bescherte.
Einunddreißig Jahre später ist das Album aktueller denn je, und die Vinyl-Auflagen sind weiterhin regelmäßig ausverkauft. Für Chico liegt die Langlebigkeit von Aos Vivos am Verzicht auf damals typische, heute oft veraltete Klänge wie elektronisches Schlagzeug oder spezifische Keyboards, was den Liedern eine beständige Qualität verleiht. Mehr als nur ein Zeugnis seines Karrierestarts schuf das Album eine tiefe emotionale Verbindung zu einem Publikum, das – wie der Künstler selbst sagt – „zusammen mit diesen Liedern gereift ist“.

Frage: Chico, willkommen in Zürich! Deine Besuche in Europa bringen uns immer eine besondere Energie. Es ist uns eine große Freude, mit dir zu sprechen. Zuerst möchte ich mich für deine Großzügigkeit bedanken, dass du dir vor der Show hier in Zürich Zeit für uns nimmst. Chico, du feierst dieses Jahr das 31-jährige Jubiläum der Veröffentlichung von Aos Vivos. Es ist das Album, das dich der Welt vorgestellt hat, mit Hits wie „Mama África“. Wie fühlst du dich dabei, dieses Repertoire heute wieder aufzugreifen und diese wunderbare Solo-Tournee nur mit Gesang und Gitarre zu machen? Und wie nimmst du die Verbindung wahr, die diese Songs immer noch herstellen?

Chico: Nun, Camila und alle Hörer von Adalu, ich möchte sagen, dass es mir ein großes Vergnügen ist, nach Zürich zurückzukehren – und zwar mit dieser Aos Vivos-Show, um das 31-jährige Bestehen zu feiern. Einige dieser Lieder haben mein Repertoire eigentlich nie verlassen. Sie haben sich von Anfang an als sehr starke Erfolge erwiesen, besonders „Mama África“ und „À Primeira Vista“. Aber auch „Mulher Eu Sei“ und „Templo“. Viele dieser Lieder wurden von anderen Interpreten aufgenommen. „À Primeira Vista“ erhielt eine spanische Version von Pedro Aznar in Argentinien, eine Version von Pedro Guerra in Madrid und die Version von Daniela Mercury, die das Lied sehr bekannt machte, da es Teil der Telenovela O Rei do Gado in Brasilien war, die um die ganze Welt ging. Ich hatte also großes Glück, kein Geld für ein Studioalbum gehabt zu haben. Normalerweise fangen Künstler so an: Sie machen ein Studioalbum und wollen alles so organisiert wie möglich präsentieren. Ich hatte kein Geld für das Studio; es war viel einfacher und billiger, in zwei Tagen live aufzunehmen. Ein Freund, der das Equipment hatte, schlug es vor, und so wurde es gemacht. 30 Jahre sind vergangen, und diese Lieder sind immer noch sehr aktuell. Entweder, weil die Themen, von denen sie handeln, bestehen bleiben oder sich sogar verschlimmert haben. Oder auch, weil dieses Format langsamer altert; es ist vielleicht beständiger. Wenn das Album voll von damals typischen Klängen wäre – bestimmte Keyboards, Gitarreneffekte oder Drumcomputer aus der Zeit –, könnten wir es heute vielleicht nicht mehr hören. Aber wir bringen das Album auf Vinyl neu heraus, und es ist immer sofort ausverkauft. Das macht mich sehr glücklich. Die Show kam damals ein Jahr später nach Europa. Ich habe sie 1995 in Brasilien veröffentlicht, und sie war bereits in Portugal, Deutschland und auch in der Schweiz erfolgreich. Es fühlt sich also ganz natürlich an. Ich freue mich sehr, dies gemeinsam mit dem Publikum zu feiern, denn ich spüre, dass viele Menschen mit diesem Album gereift sind. Einige waren Kinder, als es herauskam, andere 16-jährige Teenager, wieder andere in meinem Alter, so um die 30. Wir sind zusammen erwachsen geworden. Ich habe diese Komplizenschaft mit meinem Publikum, das mich begleitet und nicht an einem bestimmten Format hängengeblieben ist. Als ich mein zweites Album Cuscuzclã veröffentlichte, hat das Publikum, glaube ich, verstanden, dass ich ein sehr freier Künstler bin, der viel experimentieren würde. Wer an mir als Künstler dranblieb, begleitete jemanden, der nie aufhört, Dinge auszuprobieren. Aber nachdem ich dieses Jahr mit Aos Vivos durch Brasilien und nun auch im Ausland gereist bin – neben Europa werden wir auch in Argentinien und Uruguay sein –, bekam ich Lust, wieder ein Album nur mit Gesang und Gitarre aufzunehmen. Live eingespielt, aber nicht vor Publikum, sondern live im Studio. Das ist mein nächstes Album, es heißt Fofo und wird ab April erscheinen.

Frage: Ach, wie schön, wie wunderbar. Anknüpfend an die erste Frage: Du hast schon immer inspiriert und das Regionale mit dem Universellen vermischt, nicht wahr? Wie siehst du die aktuelle Szene in Bezug auf die Bewahrung der brasilianischen Identität angesichts einer zunehmend globalisierten und algorithmisch gesteuerten Industrie? Und fühlst du dich als ein „Padrinho“ (Pate) oder als Referenz für die neue musikalische Freiheit, die wir heute sehen, besonders in der zeitgenössischen MPB?

Chico: Schau, ich fühle mich eher wie ein „Compadre“ (Gefährte) als wie ein Pate. In Pernambuco, der Region, aus der du kommst, gibt es eine sehr schöne Bewegung namens Reverbo. Sie bringt verschiedene Künstler, Komponisten und Sänger zusammen – Leute wie Flaira Ferro, Juliano Holanda, Martins, Almério und viele andere. Jeder hat seine eigene Arbeit, aber von Zeit zu Zeit kommen sie zusammen. Dann treten 20 Künstler gemeinsam nur mit Gesang und Gitarre auf. Ich finde, das wertet die Musik sehr auf. Es ist eine Bewegung, die ich mit großem Interesse verfolge. Ich habe sie sogar schon bei mir zu Hause in São Paulo empfangen. Wir haben dort eine Art Sarau gemacht: Musik gespielt, gegessen, getrunken und so weiter. Ich fühle mich also eher als Compadre. Ich bin Partner von Flaira geworden, Partner von Martins, Almério und Juliano Holanda. Ein Partner ist eine Art Gefährte, und jedes Lied ist so, als würden wir gemeinsam ein neues Werk segnen. Ich habe das Gefühl, dass sich das Regionale und das Universelle nicht ausschließen; sie kollidieren nicht. Deine Frage fing ja damit an. Je mehr man über sein eigenes Dorf singt, desto mehr werden sich Menschen aus anderen Dörfern mit der Arbeit identifizieren. Sei es die Poesie von Fernando Pessoa, der durch seine Heteronyme über seine „Dörfer“ spricht – ob nun naturverbunden oder urban und nächtlich. Oder die Texte von Guimarães Rosa, die vom Sertão (Hinterland) in Minas und Bahia erzählen, oder von João Cabral de Melo Neto. Diese Werke behandeln regionale Themen, aber das Regionale trägt das Universelle in sich. Zum Beispiel: Ich schaue auf die Alpen und sehe darin die Serra do Monte meiner Heimatstadt. Die Serra do Monte ist ein kleiner Gebirgszug in Catolé do Rocha. Unsere lokalen Prägungen, wenn sie mit Hingabe bearbeitet werden, berühren auch Menschen aus anderen Regionen. Das ist es, was uns universell macht – viel mehr, als zu versuchen, andere zu kopieren.

Frage: Das stimmt. Um bei diesem universellen Thema zu bleiben: Dein Werk wird dafür gefeiert, nordöstliche Poesie und Rhythmen mit Pop, Forró und MPB zu verschmelzen. In diesem „Sound-Kessel“ – wann genau war der Moment, in dem du den Reggae für dich entdeckt hast? Wie hast du bemerkt, dass der jamaikanische Beat so gut mit dem Puls des Nordostens harmoniert?

Chico: Was du den jamaikanischen Beat nennst… das ist ein afrikanischer Beat. Alles kommt aus Afrika. Als ich afrikanische Künstler wie Salif Keïta, Youssou N’Dour oder Ray Lema kennenlernte, merkte ich sofort, dass sie den Sound ihrer Dörfer in ein Pop-Umfeld bringen. Früher sah ich mich eher als MPB-Künstler; ich spielte im Sitzen mit der Gitarre. Als ich die Afrikaner hörte – deshalb sage ich im Lied „À Primeira Vista“ auch: „Als ich Salif Keïta hörte, habe ich getanzt“. Weil ich sah: Mensch, der Kerl spielt im Stehen, benutzt Synthesizer, Keyboards, Schlagzeug, Bass und Gitarre, während ich nur Gitarre und ein bisschen Perkussion nutzte. Ich sagte mir: „Ich will so sein wie sie, sie sind meine Onkel, meine Cousins.“ Ich bin Teil dieser Diaspora.

Ray Lema sagte mir eines Tages: „Chico, der afrikanischste Künstler Brasiliens heißt Luiz Gonzaga.“ Ich fragte: „Luiz Gonzaga?“ Er sagte: „Ja.“ Er erzählte mir, er besitze über zwanzig seiner Platten und erklärte mir, warum: Gonzaga tauchte zeitgleich mit dem Aufkommen der kongolesischen Rumba auf. Er sang mit dieser kraftvollen, gestützten Stimme aus einer Zeit, als die Mikrofone noch schwach waren. Zwischen den Strophen gibt es immer eine Art Riff – Ray sagte, genau das, was man in „Asa Branca“ hört, machen die Afrikaner auch ständig: eine Strophe singen, dann ein instrumentaler Teil. Und er sagte: „Gonzaga spricht über Bäume, den Juazeiro, die Baumwolle – die Afrikaner sprechen über Bäume. Gonzaga spricht über Flüsse – den Pajeú, den São Francisco – die Afrikaner sprechen über Flüsse. Er spricht über Vögel – Assum Preto, Asa Branca, Sabiá – die Afrikaner tun das auch.“

Luiz Gonzaga ist für mich ein Künstler der Diaspora. Da fing ich an, die gesamte nordöstliche Musik genauer zu betrachten: Sie wird fast ausschließlich von schwarzen Menschen gemacht. Luiz Gonzaga, Jackson do Pandeiro, João do Vale, Pinto do Acordeom. Allesamt schwarz. Ich hatte früher nie so auf das Plattencover geachtet; ich dachte einfach: „Das sind Forró-Künstler“, nicht: „Das sind schwarze Männer.“ Als er mir das sagte, schossen mir all die Plattencover in den Kopf, die ich damals im Plattenladen in Catolé do Rocha verkauft hatte. Mein Gott, es ist alles schwarz! Forró ist schwarze Musik, afro-diasporische Musik. Und ein Afrikaner musste mich daran erinnern.

Dann gibt es noch eine Geschichte von Dominguinhos, wie Gilberto Gil ihm den Reggae vorstellte. Sie reisten in den 70ern in einem Kombi durch das Hinterland von Bahia und dem Nordosten. Lange Fahrten, bei denen Gil Kassetten von Jimmy Cliff oder Peter Tosh einlegte. „Hör mal zu, Dominguinhos“, sagte er. Dominguinhos fragte: „Das ist also Reggae, Gil?“ Und Gil antwortete: „Ja, mein Freund, das ist Reggae.“ Dominguinhos meinte daraufhin: „Reggae ist wie ein kleiner, frecher Xote.“

Es blieb diese Definition, dass es sich um Geschwister-Rhythmen handelt, die ihren Ursprung in Afrika haben. Die Musik aus Kuba, die US-amerikanische Musik, der Kern der brasilianischen Musik – alles hat afrikanische Wurzeln. Fast alles, was man weltweit im Radio unter „Popmusik“ hört, kommt aus Afrika. Der Reggae ist uns also sehr nah. Er kam über Maranhão und Bahia sehr stark zu uns. Schon auf meinem ersten Album war mein bekanntestes Lied, „Mama África“, ein Reggae. Ich hatte damals ein afrikanisches Album gehört, das von Stewart Copeland (dem Schlagzeuger von The Police) produziert wurde, unter Mitwirkung von Ray Lema. The Police war eine englische Rockband, die stark vom Reggae inspiriert war. Ich hörte das viel, und Zeca Baleiro war gerade aus Maranhão gekommen; ich hing mit einer Gruppe von Leuten aus Maranhão zusammen, die viel Reggae hörten. In dieser Stimmung schrieb ich „Mama África“. Zeca erinnert sich noch, wie ich in eine Bar kam und rief: „Ich habe ein Lied geschrieben und will es euch zeigen!“ Es herrschte kurz Stille, ich spielte es vor, und es war dieser Reggae. Reggae schlich sich also so in mein Leben ein. Vieles davon hatten wir schon lange bei Gil gehört, der eng mit dem Reggae verbunden ist, lange bevor er sein Bob-Marley-Coveralbum aufnahm.

Sein Werdegang, der durch den ständigen Dialog mit Meistern wie Ray Lema und Salif Keita geprägt ist, bestätigt erneut, dass die DNA der brasilianischen Musik tief afrikanisch und gerade deshalb universell ist.

Weit davon entfernt, sich auf seinem Status als Legende auszuruhen, blickt Chico mit der Frische eines Anfängers in die Zukunft. Damit wir nicht denken, dass es bei diesem einen „Gesang und Gitarre“-Album bleibt, beschenkt er uns mit der Veröffentlichung seines nächsten Albums „Fofo“. Dieses wurde ebenfalls im Format „Gesang und Gitarre“ aufgenommen — eine bewusste Rückkehr zu den Wurzeln von Aos Vivos, jedoch mit dem Erfahrungsschatz von jemandem, der von seinem geliebten „Catolé do Rocha“ aus bereits die ganze Welt bereist hat.

Für das Publikum von Radio Adalu und in Zürich bleibt die Einladung, diesen Künstler weiterhin zu begleiten, der uns mit der Großzügigkeit eines „Compadre“ lehrt, dass das Besingen des eigenen Dorfes die schönste Art ist, die ganze Welt zu umarmen.